— Я нарисую это за 10 минут.
— А я — за пять.
Посмеиваясь, люди уходили, оставляя в немом диалоге полотна Василия Кандинского «Композиция VI» и «Композиция VII». Картины сейчас экспонируются в Третьяковской галерее. Последний раз подобное происходило в 1989 году.
Василий Кандинский сформулировал философию абстракционизма век назад. С тех пор мы повидали немало, визуальный опыт обогатился значительно. Но и сегодня его полотна вызывают недоумение, шуточки о «мазне» и скептичные взгляды.
Сюжет
Эту картину называют вершиной творчества Кандинского в период до Первой мировой войны. Чтобы написать её, художник выполнил более 30 эскизов, акварелей и работ маслом. Такая серьёзная работа проведена неспроста: Кандинский поставил перед собой задачу соединить в финальной композиции несколько библейских тем: воскрешение из мёртвых, Судный день, всемирный потоп и райский сад.
Чтобы понять Кандинского, не надо даже думать — он уже всё описал, читайте. В его пояснениях есть расшифровка каждого пятна, каждой точки, каждого поворота линии. Остаётся лишь смотреть на полотно и ощущать.
«Идея души человека отображается в смысловом центре полотна, круговороте, намеченном фиолетовым пятном и чёрными линиями и штрихами рядом с ним. Он неминуемо затягивает в себя, как воронка, извергающая некие зачатки форм, растекающиеся бесчисленными метаморфозами по всему холсту. Сталкиваясь, они сливаются или, наоборот, разбиваются друг о друга, приводя в движение соседние… Это словно сама стихия Жизни, возникающая из Хаоса». Прояснилось, спасибо, Василий Васильевич.
Седьмая композиция — логичное продолжение шестой
Считается, что изначально «Композицию VI» Кандинский хотел назвать «Потоп». Смешение линий и цвета должно было говорить, даже кричать зрителю о катастрофе вселенского масштаба (здесь и библейские мотивы, и скорая война). И, конечно, уносить с собой в потоке. Если у вас есть терпение и желание прокачать воображение, присмотритесь к полотну, и вы увидите (гарантировано!) очертания корабля, животных и предметов, тонущих в волнах штормового моря.
В седьмой же композиции мотив потопа дополнен другими библейскими сюжетами (если забыли какими, посмотрите ещё раз на «Композицию VII»).
«Розовый и белый вспениваются так, что кажутся лежащими вне плоскости холста либо какой-то иной, идеальной, плоскости. Они, скорее, парят в воздухе и выглядят так, словно окутаны паром. Подобное отсутствие плоскости и неопределённость расстояний можно наблюдать, например, в русской паровой бане. Человек, стоящий посреди пара, находится не близко и не далеко, он где-то. Положением главного центра — «где-то» — определяется внутреннее звучание всей картины. Я много работал над этой частью, пока не достиг того, что сначала было лишь моим неясным желанием, а затем становилось внутренне всё яснее и яснее». Это он о «Композиции VI».
Кстати, лайфхак от художника: «Я применял сочетание гладких и шероховатых участков, а также множество других приёмов обработки поверхности холста. Поэтому, подойдя к картине ближе, зритель испытывает новые переживания».
Контекст
Василий Кандинский рассматривал композиции как главные заявления своих художественных идей. Впечатляюще большой формат, сознательное планирование и трансцендентность представления, выраженная нарастанием абстрактного образа. «С самого начала, — писал художник, — уже одно слово «композиция» звучало для меня, как молитва». Первая датируется 1910 годом, последняя — 1939-м.
Кандинский считается «отцом абстракции». И дело не в том, что он первым написал полотно такого рода. Появление абстракции было предопределено — идея витала в воздухе, сразу несколько европейских художников ставили эксперименты и последовательно продвигались к нефигуративной живописи. Василий Васильевич был первым, кто дал новому течению теоретическое обоснование.
Будучи синестетиком (слышал цвета, видел звуки), Кандинский искал универсальный синтез музыки и живописи. Через рисование и черчение он имитировал течение и глубину музыкального произведения, окрашенность отражала тему глубокого созерцания. В 1912 году он написал и опубликовал основополагающее исследование «О духовном в искусстве», которое стало теоретической базой абстракционизма.
В 1920-х Кандинский работал над новой изобразительной формулой, состоящей из линий, точек и комбинированных геометрических фигур, представляющих его визуальные и интеллектуальные исследования. То, что начиналось как так называемая лирическая абстракция (свободные формы, динамические процессы — вот это всё), постепенно обретало структуру.
Принято считать Кандинского русским художником. А между тем, как минимум полжизни он провёл за границей, в основном в Германии, а в конце жизни — Франции. Он был тем художником, который не надрывался на тему корней и отрыва от родины-матушки, но был сосредоточен на творчестве, на новаторстве.
Судьба художника
Если бы Кандинский был нашим современником, то его биографию можно было публиковать как вдохновляющий кейс для тех, кто решил сбежать из офиса и заняться тем, к чему лежит душа.
По совету родителей Василий получил юридическое образование, жил — не тужил. Пока однажды не оказался на выставке и не увидел полотно Клода Моне. «И вот сразу я увидел в первый раз картину. Мне казалось, что без каталога не догадаться, что это — стог сена. Эта неясность была мне неприятна: мне казалось, что художник не вправе писать так неясно. Смутно чувствовалось мне, что в этой картине нет предмета. С удивлением и смущением замечал я однако, что картина эта волнует и покоряет, неизгладимо врезывается в память и вдруг неожиданно так и встанет перед глазами до мельчайших подробностей. <…> Но глубоко под сознанием был дискредитирован предмет как необходимый элемент картины», — писал впоследствии художник.
«Стога сена в конце лета. Утренний эффект», 1891 г. Клод Моне. (Музей Орсе)
Так, в 30 лет молодой перспективный юрист забросил портфель куда подальше и решил стать человеком искусства. А уже через год он переехал в Мюнхен, где познакомился с немецкими экспрессионистами. И закипела его богемная жизнь: вернисажи, вечеринки в мастерских, споры о будущем искусства до хрипоты.
В 1911 году Кандинский объединил сторонников в группу «Синий всадник». Они считали, что у каждого человека есть внутреннее и внешнее восприятие действительности, которые следует объединить посредством искусства. Но просуществовало объединение недолго.
Тем временем в России — своя атмосфера, Василий Васильевич решает вернуться на родину. И вот, в 1914-м, после почти 20 лет в Германии, он вновь вступает на московскую землю. Поначалу перспективы были многообещающими: он занимает должность директора Музея живописи и культуры и работает над реализацией музейной реформы в новой стране; преподает в СВОМАСе и ВХУТЕМАСе. Но аполитичный художник неизбежно должен был столкнуться с пропагандой в искусстве.
Энергии строить светлое будущее хватило не надолго: в 1921-м Кандинский уезжает в Германию, где ему предложили преподавать в Баухаусе. Школа, которая воспитывала новаторов, была тем местом для Кандинского, где он смог стать видным теоретиком и получить всемирное признание как один из лидеров абстрактного искусства.
После 10 лет работы Баухаус был закрыт, а полотна Кандинского, Марка Шагала, Пауля Клее, Франца Марка и Пита Мондриана объявлены «дегенеративным искусством». В 1939-м нацисты публично сожгли более тысячи картин и эскизов. Кстати, примерно в тот же период в Советском Союзе абстрактное искусство было объявлено антинародным и лишённым права на существование.
«Композиция VII» является одним из центральных произведений Кандинского первой половины 1910-х годов, примером обретения творческой зрелости мастера. В это время художник достаточно хорошо осознал, что должен уйти от подражания природе и, в конечном счете, отказаться от фигуративности. Он чувствовал, что абстрактная форма может обладать качествами, которые способны выразить то, что недоступно традиционным приемам. Весь смысл творчества Кандинского переместился в выразительность линии и цветового пятна, не отягощенных никакой связью с предметным миром, восприятие такой живописи стало требовать активного участия фантазии, усиления интуитивного начала.
При построении «Композиции VII» художник не придумывал, не конструировал формы, а лишь направлял, корректировал то, что возникало в его воображении: «Все формы, когда бы то ни было мною употребленные, приходили ко мне «сами собою»: они то становились перед глазами моими совершенно готовыми — мне оставалось их копировать, то они образовывались в счастливые часы уже в течение самой работы». Само понятие «композиция» означало для Кандинского высшую и наиболее сложную форму художественного произведения.
Существует более трех десятков эскизов этюдов и эскизов к «Композиции VII», от небольших набросков карандашом, рисунков пером и акварелей до живописных холстов размером свыше одного метра. Большинство из них исполнено осенью 1913 года. Художник разрабатывал в них как общий замысел произведения, его колорит, так и детали. Тщательная проработка пластического решения картины в эскизах и этюдах способствовала тому, что собственно процесс написания большого полотна занял буквально несколько дней — с 25 по 28 ноября 1913 года.
Среди источников, предваряющих появление «Композиции VII», можно выделить целую группу более ранних – фигуративных – произведений Кандинского, объединенных темой Апокалипсиса. Едва угадываемые их отголоски, напоминающие трубящих ангелов, всадника, огненную колесницу Ильи-пророка, в «Композиции VII» создают ощущение происходящей на наших глазах трансформации материи.
Большой размер произведения предполагает своеобразное «погружение» внутрь полотна, некий эффект присутствия и сопричастности происходящему. Художник приглашает не просто созерцать картину, но приобщиться к творческому процессу создания произведения: «Живопись есть грохочущее столкновение различных миров, призванных путем борьбы и среди этой борьбы миров между собою создать новый мир, который зовется произведением. Каждое произведение возникает и технически так, как возник космос, — оно проходит путем катастроф, подобных хаотическому реву оркестра, выливающемуся, в конце концов, в симфонию, имя которой – музыка сфер. Создание произведения есть мироздание».
Добро пожаловать в новый Артхив! Список новых возможностей вы можете изучить здесь.
О работе
Дата создания: 1913
Размер: 200×300 см
Описание картины «Композиция VII»
«Композиция VII», созданная Кандинским в 1913 году, считается одним из величайших шедевров абстрактного искусства. Эта работа является логическим продолжением Композиций V и VI, все три картины объединены темой Апокалипсиса. Элементы «Композиции VI» — Потоп и Воскрешение – просматриваются и в этой работе. Главная ее тема – Страшный суд, однако он рассматривается не как катастрофа, а скорее как освобождение, переход мира из материального состояния в духовное. Поэтому «Композицию VII» от других работ серии отличают светлые краски, «вспыхивающие» контрастные линии.
Композицию каждой работы Кандинский стремится выстроить так, чтобы зритель мог «войти» внутрь картины и вращаться в ней. Он утяжеляет нижний край композиции, тем самым выдвигая его вперед, а верхнюю часть, наоборот, облегчает, отдаляя ее от зрителя. За счет одного из главных контрастов Кандинского – между синим и желтым цветами – в центре композиции создается зона активного движения вглубь и вовне.
Кандинский потратил много месяцев на подготовку к написанию «Композиции VII», но создание самой картины заняло у него всего четыре дня. Художник сделал около 30 эскизов к полотну (1, 2). Некоторые из них напоминают детализированные наброски к картинам Караваджо или Леонардо да Винчи, изображающие складки ткани, листву деревьев или человеческие конечности. На некоторых из раза в раз повторяется одна и та же изогнутая линия, на других схематически изображены основные структурные элементы композиции, третьи содержат детальный план создания полотна. Кроме того, существует около 15 различных изображений, связанных с «Композицией VII»: это наброски маслом, карандашные эскизы, акварели, рисунки на стекле и гравюры.
Габриель Мюнтер, которая была свидетельницей создания полотна, 25 ноября 1913 года сделала в своем дневнике запись о том, что в их дом в Мурнау доставили холст для «Композиции VII», и Кандинский тем же вечером приступил к работе. Следующим утром она сделала первую фотографию картины, а после обеда – вторую. Запись в дневнике Мюнтер от 28 ноября гласит, что картина завершена. Утром 29 ноября она сфотографировала готовую работу. Так было зафиксировано рождение великого шедевра.
Автор: Евгения Сидельникова
Композиция VII. В. Кандинский, 1913 год. | Фото: oceansbridge.ca.
Начало ХХ века стало эпохой перемен во всех сферах жизни и искусства. Не стала исключением и живопись. Художники искали новые формы выражения в изобразительном искусстве. Логическим продолжением кубизма и футуризма стал абстракционизм. Одним из самых ярких представителей этого течения является Василий Кандинский. Одни называют его полотна «мазней», а другие подолгу не могут оторвать взгляд от ярких композиций. При этом равнодушным не остается никто.
Василий Кандинский за работой, 1936 год. | Фото: portal-kultura.ru.
Картину «Композиция VII» называют апогеем творчества Василия Кандинского. Человеку, далекому от искусства, может показаться, что на полотне изображены просто разводы и кляксы, однако прежде чем приступить к написанию картины, художник провел большую подготовительную работу. Он сделал более тридцати эскизов карандашом, маслом, акварелью. Само полотно Кандинский написал за четыре дня в период с 25 по 28 ноября 1913 года.
Композиция 7. Этюд. В.В. Кандинский, 1913 год. | Фото: artchive.ru.
Кандинский в Рапалло (Италия), 1905 год. | Фото: wassilykandinsky.net.
Известно, что художник был синестетиком, воспринимавшим мир по-своему. Он мог видеть звуки, слышать цвета. «Композиция VII» — это различные по интенсивности цветовые фрагменты, перемежающиеся с остроугольными и плавными комбинациями. Изучая архивы художника, искусствоведы пришли к выводу, что Василий Васильевич в своей картине изобразил несколько тем: Воскрешение из мертвых, Судный День, Всемирный потоп и Райский сад.
Композиция VII в Третьяковской галерее в Москве. | Фото: vedomosti.ru.
Сам автор описывал творение так: «Розовый и белый вспениваются так, что кажутся лежащими вне плоскости холста либо какой-то иной, идеальной, плоскости. Они, скорее, парят в воздухе и выглядят так, словно окутаны паром. Подобное отсутствие плоскости и неопределенность расстояний можно наблюдать, например, в русской паровой бане. Человек, стоящий посреди пара, находится не близко и не далеко, он где-то. Положением главного центра — «где-то» — определяется внутреннее звучание всей картины. Я много работал над этой частью, пока не достиг того, что сначала было лишь моим неясным желанием, а затем становилось внутренне все яснее и яснее».
Василий Кандинский у мольберта, 1936 год. | Фото: wassilykandinsky.net.
Работы Василия Кандинского и сегодня вызывают неподдельный интерес зрителя. Они часто входят в списки самых дорогих картин, проданных на аукционах.
Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:
Wassily Kandinsky, 1913, Composition VII, oil on canvas, 200.6 × 302.2 cm, Tretyakov Gallery
Composition VII is an abstract oil painting executed in 1913 by Wassily Kandinsky, a Russian-born painter. It is in the collection of the Tretyakov Gallery, Moscow. Art historians have concluded that the work is a combination of the themes of Resurrection, Judgment Day, the Flood and the Garden of Eden. [1]
Preliminary watercolor[edit]
Kandinsky’s preliminary study was his first abstract watercolor. Untitled (Study for Composition VII, Première abstraction), painted in 1913,[2] is one of the first artworks to emerge from the representational tradition of Western European painting entirely, shedding references to well known forms, conventions of material representation and all narrative allusions. The watercolor is the first extant entry in Wassily Kandinsky’s parallel series of abstract «Compositions» and «Improvisations» that began to emerge during his Blue Rider Period. Though the work is dated 1910, art historians believe the date is apocryphal, and that Kandinsky dated the work in 1913.
Context[edit]
Kandinsky’s work from the second decade of the 20th century displays a fair degree of progressive continuity away from the representational traditions of Western European art and towards pure abstraction. His first abstract watercolor appears to be his first purely abstract work. It was thought to be the first purely «abstract painting» as abstract painting later came to be understood (as a culturally significant form, as opposed to «mere ornamentation» created as a decorative element within architecture, written works etc.).
Contemporary with Cubism and Futurism, and the increasingly abstract work of Robert Delaunay, Francis Picabia, František Kupka, Léopold Survage, Piet Mondrian, and Hilma af Klint,[3] Kandinsky’s are generally understood as one element of a more general and distributed transition to abstraction.
References[edit]
- ^ «Composition VII». Kandinsky.net. Retrieved 9 August 2020.
- ^ Wassily Kandinsky, 1913, Untitled (Study for Composition VII, Première abstraction), PITO Centre Pompidou
- ^ Cain, Abigail. «What Was the First Abstract Artwork?«. Artsy.net. Retrieved 2017-03-31.
Wassily Kandinsky, 1913, Composition VII, oil on canvas, 200.6 × 302.2 cm, Tretyakov Gallery
Composition VII is an abstract oil painting executed in 1913 by Wassily Kandinsky, a Russian-born painter. It is in the collection of the Tretyakov Gallery, Moscow. Art historians have concluded that the work is a combination of the themes of Resurrection, Judgment Day, the Flood and the Garden of Eden. [1]
Preliminary watercolor[edit]
Kandinsky’s preliminary study was his first abstract watercolor. Untitled (Study for Composition VII, Première abstraction), painted in 1913,[2] is one of the first artworks to emerge from the representational tradition of Western European painting entirely, shedding references to well known forms, conventions of material representation and all narrative allusions. The watercolor is the first extant entry in Wassily Kandinsky’s parallel series of abstract «Compositions» and «Improvisations» that began to emerge during his Blue Rider Period. Though the work is dated 1910, art historians believe the date is apocryphal, and that Kandinsky dated the work in 1913.
Context[edit]
Kandinsky’s work from the second decade of the 20th century displays a fair degree of progressive continuity away from the representational traditions of Western European art and towards pure abstraction. His first abstract watercolor appears to be his first purely abstract work. It was thought to be the first purely «abstract painting» as abstract painting later came to be understood (as a culturally significant form, as opposed to «mere ornamentation» created as a decorative element within architecture, written works etc.).
Contemporary with Cubism and Futurism, and the increasingly abstract work of Robert Delaunay, Francis Picabia, František Kupka, Léopold Survage, Piet Mondrian, and Hilma af Klint,[3] Kandinsky’s are generally understood as one element of a more general and distributed transition to abstraction.
References[edit]
- ^ «Composition VII». Kandinsky.net. Retrieved 9 August 2020.
- ^ Wassily Kandinsky, 1913, Untitled (Study for Composition VII, Première abstraction), PITO Centre Pompidou
- ^ Cain, Abigail. «What Was the First Abstract Artwork?«. Artsy.net. Retrieved 2017-03-31.
| Название | Композиция VII |
| Страна, художник | Россия, Василий Кандинский |
| Год | 1913 |
| Жанр | Абстракционизм |
| Находится | Государственная Третьяковская галерея, Москва |
| Материалы | холст, масло |
В молодости Кандинский был юристом, но оставил успешную ради живописи. Он учился у европейских мастеров, впитывая их опыт и знания, но при этом постепенно формировал свой стиль. Первоначально его живописная манера напоминала импрессионистическую, но в 1910 году родился новый стиль – абстракционизм. Он поражал буйством цвета и форм при полном отказе от предметной живописи.
Неподготовленному зрителю, привыкшему к классическим сюжетам, непросто понять философию беспредметничества и разглядеть на полотнах вполне осязаемую конкретику. Так, на знаменитом шедевре «Композиция VII» можно разглядеть только цвета, линии и плоскости, но этого достаточно, чтобы передать ту идею, которую заложил художник.
Эта работу можно считать частью серии, состоящей также из пятой и шестой композиций – все они объединены темой Апокалипсиса. Седьмая часть объединила в себе элементы предыдущих работ – Потопа и Воскрешения. Но основной ее мотив – сцена Страшного суда, который выступает не как фатальная катастрофа, а как очищение, духовное обновление. Именно поэтому в колористике произведения присутствуют жизнеутверждающие светлые оттенки.
Композиционное решение произведения своеобразно: автор выстраивает его таким образом, чтобы каждый зритель мог визуально проникнуть внутрь картины и двигаться в ней. Нижний край картины утяжелен крупными формами, благодаря чему выходит вперед. Верхний, напротив, облегчен и отдален от зрителя. Главный контраст между синим и желтым цветами создает в центре холста спиралевидную зону углубления.
По время подготовки к написанию произведения мастер написал более тридцати эскизов – на это у него ушло несколько месяцев. При этом, создание самой картины заняло всего четыре дня.
Свидетельницей рождения «Композиции» была Габриель Мюнтер. В своем дневнике она писала, что 25 ноября к ним домой привезли холст для картины. В тот же день художник начал работу. Процесс написания она запечатлела на фотопленку, а 28 ноября сделала запись о том, что процесс завершен. Так в мире появился уникальный живописный шедевр.